Luz María Bedoya en POST/FACIO. Melancolías de la violencia

Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión (LUM) presenta su segunda muestra temporal “Postfacio. Melancolías de la violencia. Video peruano postguerra/trasdictadura (S. XXI)” que expone una serie de videos de artistas peruanos que reflexionan en torno al tema de la corrupción y los años de la violencia en el Perú.

La muestra, que está bajo la curaduría de Gustavo Buntinx, expondrá los trabajos de: Miguel Aguirre, Luz María Bedoya, Angie Bonino, Patricia Bueno, Susana Torres Márquez (en colaboración con Patricia Bueno), Íntegro (Óscar Naters / Ana Zavala), Diego Lama, Chiara Macchiavello, Alfredo Márquez, José Luis Martinat, Silvana Pestana, Santiago Quintanila, Carlos Runcie Tanaka, Giancarlo Scaglia, Moico Yaker y Maya Watanabe.

Los videos seleccionados pertenecen al intervalo temporal que va del año 2000 al 2015. El punto de inicio de esta temporalidad se marca con la aparición del vladivideo Kouri/Montesinos, grabado el 5 de mayo del año 2000 y emitido públicamente el 14 de septiembre del mismo año; evidenciando el sistema de corrupción instalado por el ex asesor presidencial. Este video también forma parte del material expuesto en la muestra, dotándola de un marco coyuntural.

La palabra Postfacio proviene del latín post y del verbo fari (hablar). Como opuesto complementario de prefacio, el término alude a lo que se dice después de lo dicho. O después de los hechos. En ese sentido, la selección de videos expuesta, se presenta como la exploración audiovisual de los últimos años en el Perú, tras dos décadas atravesadas por la violencia y la corrupción.

“Postfacio. Melancolías de la violencia. Video peruano postguerra/trasdictadura (S. XXI)” 

15 julio - 25 septiembre 2016  

LUM (Bajada San Martín 151, Miraflores. Al lado del estadio Niño Héroe Manuel Bonilla, altura de la cuadra 13 de la Av. El Ejército), Lima, Perú. Ingreso libre.

 Luz María Bedoya, Dirección, 2006

Luz María Bedoya, Dirección, 2006

FOAM Talent 2016. Gallery Mercatorplein

La obra de Andrés Felipe Orjuela Castañeda forma parte de la muestra FOAM Talent 2016, la cual se exhibe en Gallery Mercatorplein, en Ámsterdam, Países Bajos. 

Nota original

"Gallery Mercatorplein is a temporary photo exhibition in the public space.

For this exhibition, works of the 24 Foam Talents of 2016 are put on display as an introducing preview of their diverse works. The selected artworks have been carefully picked by the editors of Foam Magazine.

After Mercatorplein, the exhibition will be presented during Unseen Photo Fair at the Westergasterrein area in Amsterdam. Unseen is taking place from 23 until 25 September 2016 and the preliminary organised Unseen Festival."

La muestra podrá visitarse del 25 de julio al 29 de agosto de 2016. 

Andrés Felipe Orjuela Castañeda en El tormento y el éxtasis

Arte de origen latinoamericano en las colecciones de Mallorca, una revisión desde la contemporaneidad

 Andrés Felipe Orjuela Castañeda,  4 lecciones de conquista , 2016

Andrés Felipe Orjuela Castañeda, 4 lecciones de conquista, 2016

Comisariado por Nekane Aramburu, directora de Es Baluard
Con la colaboración de Gerardo Mosquera


«El tormento y el éxtasis» es un proyecto expositivo que viene a mostrar la evolución de la creación latinoamericana contemporánea a través de su presencia en las colecciones de arte de Mallorca. La genealogía inserta sus raíces entre el conflicto y la estética, el compromiso político y social y la evolución de la estética y el pensamiento en un área geográfica lejana, pero, pese a todo, conectada con la manera de entender las fracturas de la postmodernidad.

«Ver (y pensar) América Latina», texto de Gerardo Mosquera (fragmento)
 
Es elocuente que un reciente incremento en la atención hacia el arte latinoamericano en el ámbito académico español sea resultado del tardío desarrollo en él de los estudios postcoloniales, tomados del medio anglosajón. Además de que aquellos funcionan en este caso más como un cajón para meter lo «no occidental», resulta muy problemático analizar América Latina con un instrumental diseñado para discutir los procesos culturales en el ámbito colonial británico tras la caída del imperio después de la II Guerra Mundial. La era colonial en América Latina concluyó antes de que se plasmaran las grandes empresas coloniales ­de signo capitalista­británicas y francesas en el siglo XIX. En Iberoamérica los colonizadores se asentaron, se acriollaron y se mezclaron, imposibilitando la clara distinción entre las culturas coloniales impuestas, las culturas indígenas, y aquellas de los africanos llevados como esclavos. Es decir, no existe, como en África y Asia, la clara interacción entre un ámbito tradicional y otro occidental, cuyas ambivalencias ha discutido el pensamiento postcolonial. A la vez, en América existen comunidades indígenas que permanecen considerablemente excluidas de los proyectos nacionales y sus relatos mestizos.
 
Sean cuales sean las razones, esta exposición demuestra la importancia creciente del coleccionismo privado en la articulación del mercado, la circulación y la legitimación del arte. Al revés del resto de las manifestaciones artísticas, donde la figura del coleccionista no existe, las artes plásticas se basan en objetos «fetichizados»suntuarios coleccionables y no en circuitos de difusión masiva, como ocurre con la música, el cine o la literatura. Estos últimos se sustentan por el contrario en productos descargables o disfrutables en directo en la red, junto con los tradicionales eventos colectivos de los conciertos y las proyecciones en salas, o las publicaciones en medios masivos. Las obras que llamamos plásticas o visuales continúan siendo principalmente objetos físicos originales o documentos de acciones o ideas certificados como únicos o en ediciones voluntariamente limitadas ­a manera de originales vicarios­, que a menudo contradicen las posibilidades de reproducción masiva de los medios en que se realizan. Ocurre con el video artístico, que se convierte en un coleccionable de edición limitada, o hasta la performance, cuyo derecho a ser reproducida se compra y colecciona. Estas entidades auráticas y «anales»requieren su atesoramiento en colecciones públicas o privadas, y el desarrollo de estas últimas ha otorgado al coleccionista un papel protagónico.
 
El auge mundial de las ferias de arte es índice del florecimiento del coleccionismo privado y del incremento de su poder. Este se expresa no sólo en el acto de comprar –que es un acto de comisariado– sino en el rol público del coleccionista y su acervo. Precisamente, en América Latina las instituciones y eventos públicos organizados desde colecciones privadas se han incrementado notablemente en los últimos tiempos (pensamos en la colección Jumex en México, el MALBA en Argentina, la colección Cisneros en Venezuela), desempeñando una función valiosa, muy beneficiosa en los países con instituciones públicas escasas y débiles organizativa y económicamente. Los coleccionistas participan también de los consejos de museos públicos, apoyan sus presupuestos y dan en préstamo sus obras. En verdad, el atesoramiento privado de bienes culturales implica una responsabilidad social, que muchos coleccionistas han asumido para bien. Por supuesto, esta responsabilidad conlleva también el ejercicio de poder. En el caso de esta muestra, la buena disposición de un grupo de coleccionistas a prestar obras a un museo público ha permitido a Nekane Aramburu comisariar una exposición de gran interés que de otro modo no hubiera podido hacerse.

Más información

Andrés Orjuela en Foam Talent 2016

Andrés Felipe Orjuela (Colombia, 1985) fue seleccionado para formar parte de Foam Talent 2016, concurso convocado por Foam Magazine. Su obra Sábanas blancas (2016) aparecerá en la publicación Foam Magazine Talent Issue. 

Foam Magazine es una revista con un centro de operaciones ubicado en Ámsterdam, Países Bajos, y con alcance internacional. Se centra en todas las facetas vinculadas con la fotografía contemporánea. 

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La idea sólida: la fotografía y su desplazamiento del lugar específico. Conversaciones con Luz María Bedoya y Miguel Aguirre

Por Christian Bernuy del Carpio. Artículo publicado en KAYPUNKU, Vol. 3, Núm 1, Junio 2016, pp. 167 - 218

A partir de la segunda mitad de la década de los noventa, dos artistas que trabajaban desde la fotografía, Luz María Bedoya y Miguel Aguirre, se destacaron por una producción que empezó a cuestionar determinados cánones artísticos modernos como la autonomía de las disciplinas de acuerdo a su especificidad técnica y plantearon, en cambio, el uso del soporte fotográfico como materialización de una idea o de una proposición analítica y el uso de ciertas estrategias, como la apropiación e intervención de imágenes, que cuestionaron preceptos arraigados como la autoría, la verdad y la objetividad en la fotografía. Esta entrevista, que incide fundamentalmente en los procesos, las influencias y las motivaciones de los creadores, pretende también enfocarse y analizar un periodo fundamental para el desarrollo de la fotografía contemporánea en el Perú.

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